Obra original
1,000,000 pennies

Artista: Gerald Ferguson

Fecha: 1979
Lugar: Art Gallery of Nova Scotia, Halifax

Esta instalación conformada por una montaña de monedas en el suelo, un millón de peniques, se expuso sin medidas de vigilancia. La obra pone en cuestión el valor del arte así como el valor del dinero. A pesar de ser la moneda más común en Canadá, se ha llegado a poner en duda la relevancia del penique en la circulación monetaria y estas monedas son consideradas casi como objetos sin valor. La recontextualización de dichas monedas de cobre en una montaña de dinero simbólica y literal (se trata de diez mil dólares) demuestra su aplastante valor monetario yuxtapuesto a la cotidianeidad de su forma desgranada. El visitante podría plantearse robar algo del dinero desprotegido pero su aparatoso formato físico seguramente disuadiría a cualquier de intentarlo, o demostrarí lo poco rentable de la jugada.

Reinterpretación
36,00€/hr

Artista: Josh Cleminson (Ontario)

Fecha: 9 de junio, 2011
Duración: Ocho horas
Lugar: las calles de Móstoles

Se tarda aproximadamente un segundo en recoger una moneda del suelo. Si uno recogiera un céntimo de euro cada segundo durante una hora, estaría ganando 36€/hora, una cifra sustancialmente mayor al salario mínimo español.

Pararse a recoger una moneda de este calibre suele considerarse un acto pobre o incluso de mal gusto, sin embargo realizar el gesto repetidas veces podría generar resultados lucrativos. Invertir una jornada laboral media -ocho horas- resultaría en una recolecta de 288€, nada pobre si se tiene en cuenta que el salario mínimo en España es de 633,30€ al mes (2011).

Bajo estas premisas, el artista dedicó ocho horas a soltar monedas de 0,01€ por las calles de Móstoles. Como si de su jornada laboral se tratase, invirtió su tiempo en desperdigar las monedas que uno podría hipotéticamente recoger en un acto tan absurdo como lucrativo. Empleando los dispositivos pasados por alto que encontramos en el espacio público (cotidianos pero imperceptibles), el artista pretendía enfatizar la presencia social de los mismos y generar un cuestionamiento del valor del arte y el valor del dinero, igual que lo hacía la instalación de Ferguson.

La acción dio pie a que la gente recojiese los céntimos arrojados al suelo, poniendo en marcha una actitud y actividad nueva con respecto al “devaluado” céntimo de euro.

Fotografía: Luis Díaz Díaz.

Obra original
Following Piece

Artista: Vito Acconci

Fecha: 3 al 25 de Octubre, 1969
Duración: veintitrés días
Lugar: las calles de Nueva York

El artista elegía por azar a una persona caminando por la calle, y comenzaba a seguirle hasta que se crease entre ambos una barrera de privacidad. Es decir, la persona pasaba a un espacio privado como podía ser una casa, un coche, etc. Esta acción podía durar unos minutos o varias horas, dependiendo de si el sujeto se adentraba en lugares públicos como un restaurante o una sala de cine, en cuyo caso la "persecución" continuaba.

Acconci realizó esta actividad con una persona al día durante veintitrés jornadas. Recopiló un compendio escrito de cada uno de sus seguimientos con notas sobre las personas y las rutas, documentos que luego envió a personas involucradas en el entorno artístico.

Reinterpretación
Following Piece 2.0 - Everytrail

Artista: Sven Goyvaerts (Amberes)

Fecha: 23 de mayo al 14 de Junio, 2011
Duración: veintitrés días
Lugar: las calles de Amberes y el vestíbulo del CA2M

La idea principal de Following Piece 2.0 – Everytrail es retomar la obra de Acconci y actualizarla mediante la tecnología de las llamadas redes sociales, establecidas actualmente en nuestras vidas. El camino recorrido en cada seguimiento se publicó instantáneamente en un mapa a través de la aplicación Everytrail desde un iPhone 3G. Acto seguido, era compartida en Facebook junto a una breve descripción y una fotografía del sujeto.

El proyecto comenzó antes del festival, el 23 de mayo, y finalizó pasados veintitrés días (al igual que la pieza original): el 14 de junio de 2011. Gracias a la tecnología actual y el sencillo manejo del widget Everytrail, la acción tuvo lugar en la ciudad de Amberes (Bélgica) pero pudimos ser testigos de las actualizaciones en tiempo real, así como navegar por el archivo del proyecto.

Visita el archivo de Sven Goyvaerts.

Fotografía: Luis Díaz Díaz.

Obra original
Aus der Mappe der Hundigkeit

Artista: VALIE EXPORT

Fecha: 1968
Lugar: las calles de Viena

En Aus der Mappe der Hundigkeit (Del archivo de la condición canina), la artista paseó por una zona comercial del centro de Viena llevando a Peter Weibel, su pareja por aquel entonces, como si fuera un perro con correa.

Esta imagen de subordinación radicalizaba de manera provocativa y juguetona la relación entre los sexos llevando al extremo la liberación de la mujer frente a la opresión masculina. Como sucedió con muchos de sus otros trabajos, la polémica estaba asegurada y las reacciones de los testigos fueron de desaprobación generalizada.

Reinterpretación
This is not VALIE EXPORT?

Artistas: Super Nase & Co (Viena)

Fecha: 9 de junio, 2011
Duración: 30 minutos convertidos en 90
Lugar: las calles de Móstoles

Inspirados por la indignación que provocó EXPORT, el colectivo vienés Super Nase & Co repitió su acción invirtiendo los roles mujer-hombre en una nueva imagen de subordinación. Cuarenta años después de la pieza original, la falta de igualdad entre hombres y mujeres sigue siendo un tema de actualidad. Las situaciones de desigualdad se han vuelto más visibles y la llamada "violencia de género" ha tomado un particular protagonismo en las secciones de sucesos de los noticiarios. Esta vuelta de tuerca pone en evidencia el problema original que se denunciaba: la subordinación de la mujer frente al hombre.

Aunque los resultados eran imposibles de prever, la pieza tuvo repercusiones inmediatas en las gentes del lugar. A los quince minutos de paseo un hombre indignado impedía, bajo ningún concepto, el paso de los artistas. Puesto el grito en el cielo no tardó en formarse una muchedumbre de curiosos y en llegar varios coches de la policía local, alertados por los vecinos de que "una mujer estaba siendo maltratada". Se oían rumores de esclavitud sexual, del origen posiblemente rumano de la rubia pareja, otros simplemente miraban la escena asombrados o entretenidos... mientras los artistas permanecían serenos en su acción varada, él fumando y ella cabizbaja, aún a cuatro patas. Una vez alcanzado un punto de elevada tensión, intentamos explicar lo que sucedía a quienes quisieron escuchar, pero pasado un largo rato de discusión quedó claro que sería imposible continuar con el paseo: la pieza había terminado.

Esta acción pertenece a la serie This is not...? en la cual Super Nase & Co representan todo tipo de obras y vidas de artistas relevantes, así como de políticos, programas televisivos, etc. Yuxtaponen estas piezas a la imagen Ceci n'est pas une pipe (Esto no es una pipa), con la que el pintor surrealista René Magritte generó en su día una reflexión acerca de los límites y el poder de la representación.

Fotografía: Luis Díaz Díaz.

Obra original
Bag Exchange

Artista: Larry Miller

Fecha: 1965

Un día, a todo el mundo se le pedirá que traiga una bolsa marrón con un objeto dentro, elegido libremente. Se designará un área donde colocar las bolsas. Al final del día, se repartirán las bolsas de manera aleatoria.

Con estas simples instrucciones fluxus, el artista propuso un ejercicio que podía realizarse o no, siendo la difusión del concepto más importante que su propia realización.

Reinterpretación
Cambio de paquetes

Artista: AZ (Madrid)

Fecha: 9 de junio, 2011
Duración: abierta (toda la tarde)
Lugar: recepción del CA2M

Elige un objeto y mételo en una bolsa marrón acolchada. Trae el paquete al festival “Reformance. Festival de performance reciclada” el 9 de junio de 2011 al Centro de Arte Dos de Mayo. Al entrar en el CA2M, busca el punto de entrega de paquetes y deja el tuyo. Al final del festival, se distribuirán los paquetes a los participantes de manera aleatoria.

Éste fue el mensaje que pudieron leer los días previos al festival los visitantes a Reformance, decidiendo poder participar o no en la convocatoria. El día del festival se habilitó un punto de entrega en la recepción del CA2M, entregando a cada participante un número que le permitiría recoger otro paquete, seleccionado al azar, cuando finalizara la velada o al marcharse del centro.

Fotografía: Luis Díaz Díaz.

Obra original
Imponderabilia

Artistas: Marina Abramović y Ulay

Fecha: 1977
Duración: 3 horas aprox.
Lugar: Galleria d’Arte Moderna. Milán, Italia

La legendaria pareja formada por Marina Abramović y Ulay, desnudos e inmutables, ocupó los extremos de una entrada de sala, reduciendo el espacio de paso al interior de la galería. Cada visitante se veía obligado a pasar de lado, frotándose contra ambos cuerpos y teniendo que decidir a cuál de los dos le daría la cara y a cuál la espalda. Una vez atravesado el umbral, los visitantes se daban cuenta de su protagonismo al descubrir que sus rostros y reacciones estaban siendo grabadas y proyectadas al otro lado, vistos por aquellos que habían entrado previamente. Abramović buscaba jugar con el concepto del artista como puerta al museo. Estaba previsto que la pieza durara seis horas pero tuvo que abandonarse a la mitad por intervención policial.

Reinterpretación
IMP shift

Artista: Elana Katz (Nueva York)

Fecha: 9 de junio, 2011
Duración: 75 minutos
Lugar: entrada del CA2M

Katz obstaculizó la entrada al museo, desnuda y de pie, pero en este caso sola. Frente a ella, una superficie de cristal. Esta superficie ofrecía al público una visión interior - la que un performer tiene del otro al realizar la pieza original. El público que deseara entrar al edificio debía pasar por el estrecho espacio restante, y se le pedía que escogiera entre una de las siguientes tres peticiones de la artista:

Si tus hombros están a la altura de mi cara, por favor golpea mi cara con tu hombro.

Por favor písame los dedos de los pies.

Por favor roza mi tripa con algo áspero.

Un trabajador del centro invitaba al público a atravesar el umbral indicando estas opciones. La motivación de Katz por reinterpretar así Imponderabilia nace de su propia experiencia tras realizar la pieza original durante tres meses. Junto a un grupo de performers y bailarines entrenados por Abramović misma, trabajó en la muestra retrospectiva The Artist is Present (Museum of Modern Art, Nueva York 2010) dando vida a varias piezas reconocidas de la artista.

La reinterpretación de Katz se concentra en el rol que jugó el personal de seguridad al controlar la participación e interacción del público en las interpretaciones de Imponderabilia en aquella retrospectiva. IMP shift es el resultado de su experiencia con el público al realizar Imponderabilia; Katz observó cómo, a pesar de las restricciones impuestas, ciertos gestos se repetían con regularidad: la gente le pisaba los pies, raspaban la piel de su tripa o le golpeaban la cara con el hombro al pasar. En IMP shift, se pidió a los visitantes que interactuasen en estas mismas maneras que las medidas de seguridad quisieron evitar durante la restrospeciva en MoMA. Así, la pieza pasaba a cuestionar la noción de lo que es considerado un comportamiento “correcto” por parte del público.

El título emplea la abreviatura IMP con la cual el MoMA se refería a la pieza original en sus horarios internos, y la duración elegida corresponde con la de cada turno (shift) que se asignaba a los re-performers durante su trabajo en la retrospectiva.

Fotografía: Luis Díaz Díaz.

Obra original
Work (Bell)

Artista: Atsuko Tanaka

Fecha: 19 al 28 de octubre, 1955
Duración: 2 minutos aprox.
Lugar: 1ª exposición de Gutai Art, Ohara Kaikan Hall, Tokyo

Veinte campanas de alarma aparecían conectadas y distanciadas de dos en dos metros, colocadas sobre el suelo de un espacio expositivo. En la pared junto a un interruptor, una tarjeta rezaba "Por favor siéntase libre de pulsar el botón, Atsuko Tanaka". Al pulsarlo, la campana más cercana a los pies del espectador se disparaba, sonando durante unos momentos y luego dando paso a la siguiente. Así sucesivamente hasta alejarse y adentrarse en el edificio esta cadena de sonidos repetidos y distanciados. Al llegar a la última campana, el proceso se repetía marcha atrás, culminando en la primera campana nuevamente. La pieza es activada por el espectador, no por la artista.

Tanaka no pretendía resaltar valores tecnológicos tanto como medir el espacio en términos sonoros, jugando con las distancias percibidas por el espectador en relación a su posición.

Reinterpretación
Reinterpretation of Work (Bell)

Artista: Margaret Honda (Los Ángeles) y voluntarios

Fecha: 9 de junio, 2011
Duración: 30 minutos
Lugar: escaleras del CA2M

Un grupo de veinte voluntarios formó una fila ascendente en las escaleras del CA2M, separado cada uno por unos dos metros de distancia. Esperaron armados con un teléfono móvil y habiendo instalado el tono de llamada "Tanaka ringtone", enviado por la artista desde Los Ángeles (Honda propuso realizar esta pieza sin que fuera necesaria su participación presencial, recalcando el valor autónomo de la obra). La pieza se realizó siguiendo sus instrucciones detalladas.

La acción se activaba a través de un teléfono móvil, con el cual se invitaba al visitante a reproducir el "tono Tanaka" con la persona que se encontraba en el primer escalón. Esto disparaba la cadena de reproducciones, cada una accionada por una persona y su correspondiente dispositivo, hasta llegar al último, luego retrocediendo como en la pieza original hasta acabar de nuevo en la planta baja. Llegado este punto el usuario debía reproducir de nuevo el tono para finalizar la pieza. De este modo, era responsable tanto de la activación como de la desactivación. En su margen horario, la obra podía activarse un número ilimitado de veces o no activarse ninguna, esto siempre quedando en manos de los visitantes.

Margaret Honda quisiera agradecer a Mario Rodríguez su ayuda y acreditar el sonido empleado como "Tanaka ringtone" para la pieza.

Fotografía: Luis Díaz Díaz.

Obra original
I am sitting in a room

Artista: Alvin Lucier

Fecha: 1969
Duración: 15 minutos aprox.
Lugar: Electronic Music Studio, Brandeis University, EEUU

I am sitting in a room es un trabajo sonoro que muestra la resonancia de la sala en la que se desarrolla. El artista grabó sobre una cinta magnética su propia voz leyendo el siguiente texto:

Estoy sentado en una habitación, diferente de aquella en la que estás ahora. Estoy grabando el sonido de mi voz al hablar y la voy a reproducir de nuevo en la habitación, una y otra vez, hasta que las frecuencias resonantes de la habitación se amplifiquen a sí mismas, de modo que todo rastro de mi habla, exceptuando tal vez el ritmo, sea destruido. Lo que entonces escucharás serán las frecuencias de resonancia naturales de la habitación articuladas por el habla. Considero esta actividad no tanto la demostración de un hecho físico sino, más bien, un modo de eliminar cualquier irregularidad que mi habla pueda poseer.

Esta primera grabación la reprodujo y grabó nuevamente en el mismo lugar, repitiendo este proceso una y otra vez hasta enfatizar las frecuencias armónicas puras y los tonos de la propia sala. El artista hacía referencia a las irregularidades inherentes a su tartamudez. Hacia el final de la pieza su discurso se había hecho incomprensible.

Escuchar grabación (inglés).

Reinterpretación
rrroom # 02

Artista: Mikel R. Nieto (Barcelona)

Fecha: 9 de junio, 2011
Duración: 30 minutos aprox.
Lugar: auditorio del CA2M

El procedimiento usado en rrroom # 02 difiere de la obra de Lucier en el tipo de micrófonos y en la ausencia de texto. En esta versión se utilizaron dos micrófonos subacuáticos, llamados hidrófonos, usados como micrófonos de contacto con la intención de captar la vibración del suelo, fomentando así las bajas frecuencias resonantes en la sala.

La falta de texto proporcionaba espacios sonoros mínimos gracias al silencio de los asistentes, estimulando al mismo tiempo la escucha de cada detalle durante los momentos de grabación. El resultado sonoro variaría dependiendo del espacio, de la actuación y movimientos del público, haciendo surgir mundos invisibles a los que estén dispuestos a escuchar el desarrollo de esta resonancia. Las bajas frecuencias multiplicadas sucesivamente resultaron en una sesión de rugidos sobrecogedores.

Fotografía: Luis Díaz Díaz.

Concepto original
White Cube

Fecha: Desde la modernidad hasta nuestros días
Duración: Aún vigente
Lugar: Centros y galerías de arte contemporáneo

El llamado "cubo blanco" es un espacio expositivo completamente blanco, una sala limpia y acotada por techo y paredes. Su neutralidad y la ausencia de ornamentos teoricamente aíslan la obra allí expuesta de todo ruido, interferencia o distracción.

Cronología Ideológica:
- 1897. Joseph Maria Olbrich, en el contexto de la arquitectura de la Secesión vienesa.
- 1908. Adolf Loos profesó en su conferencia-manifiesto Ornament und Verbrechen (Ornamento y delito).
- 1928. El Lissitzki ideaba su Gabinete Abstracto, un espacio ideal para la exposición del nuevo arte, o según Alfred H. Barr, “la habitación más famosa del arte del siglo XX”.
- 1976. Se publica Inside the White Cube: The Ideology of the Gallery Space de Brian O'Doherty, Ed. Artforum (Mas allá del cubo blanco: ideologías del espacio de la galería).

Reinterpretación
La prueba de resistencia al White Cube

Artista: Consol Llupià (Barcelona)

Fecha: 9 de junio, 2011
Duración: 22'33''
Lugar: planta baja del CA2M

La artista convocó una prueba de resistencia aeróbica dentro de un espacio expositivo integrado en el centro de arte, pudiendo realizarla todo aquel que lo deseara. Esta prueba, denominada Course navette, es la empleada a nivel nacional durante la educación obligatoria para evaluar el nivel de resistencia física del alumnado.

La performance consistió en realizar la prueba íntegra, desplazándose por el espacio y cambiando de sentido a cada pitido, tal y como indicaban las instrucciones habladas que emitían los altavoces. La resistencia de cada uno se medía con la marca que hubiesen alcanzado antes de darse por vencidos.

Fotografía: Luis Díaz Díaz.

Obra original
Rape Scene

Artista: Ana Mendieta

Fecha: 1973
Lugar: Iowa City, EEUU

En el campus donde Ana Mendieta estudiaba Bellas Artes, una estudiante fue violada y asesinada. A partir de este hecho y de la conmoción que le produjo, la artista ideó una acción como protesta y toma de conciencia sobre el suceso. Invitó a un grupo de personas a su apartamento a cenar. Cuando llegaron, los invitados se encontraron con la puerta abierta, música sonando a todo volumen y multitud de objetos desordenados y tirados por la casa. Al adentrarse alarmados, finalmente encontraron a Mendieta yaciendo boca abajo semidesnuda, atada a una mesa con el cuerpo ensangrentado.

Reinterpretación
Lost Scene

Artistas: Ana Pasadena y Fernando Gutiérrez del Arroyo (Madrid)

Fecha: 9 de junio, 2011
Duración: 30 minutos aprox.
Lugar: terraza del CA2M

Una chica y un chico, que fueron novios durante un año, recorrieron durante cinco horas de madrugada las carreteras y polígonos industriales de tres zonas de Madrid: Boadilla, Villanueva del Pardillo y Alcorcón. Para cerrar la segunda edición de Reformance, unos días más tarde regresaron y nos contaron lo qué sucedió en esas cinco horas.

La noticia que inspiró la reinterpretación pertenece a una mujer desaparecida tras una cena de empresa en la navidad de 2010, de la que se fue acompañada por su novio. Él se suicidó a los pocos días y de ella no se volvió a saber nada. En la noticia se detallaba cómo la búsqueda de la Guardia Civil se centró en polígonos, pozos y carreteras de Alcorcón, Villanueva del Pardillo y Boadilla, itinerario que siguió el coche de su novio aquella noche, según revelaron los repetidores de telefonía móvil.

Lost Scene se basa, al igual que Rape Scene, en el relato imperfecto de una historia de violencia y dolor. No experimentada directamente, sino escuchada a través de terceros que no saben explicar qué sucedió exactamente. Inevitablemente se trataría de un relato lleno de omisiones, olvidos y silencios.

Leer la noticia original.

Fotografía: Luis Díaz Díaz.

Obra original
La Poétique de l'Espace
(La Poética del Espacio)

Autor: Gaston Bachelard

En el libro La Poética del Espacio (1957), referente para muchos artistas y pensadores contemporáneos, el autor elabora distintas tematicas por medio de las cuales busca entender la relación del hombre con el mundo.

"Hay que estar en el presente, en el presente de la imagen, en el minuto de la imagen"

Reinterpretación
Cuando la imagen es nueva, el mundo es nuevo

Artista: Carmen Cantón

¿Cómo ves el mundo en relación a ti?

Ésta es la pregunta que la artista planteó a la gente del barrio. Para ello utilizó como metáfora una pelota de goma verde, pidiendo a cada persona que sostuviera "el mundo" en sus manos en un diálogo. En cada caso la artista fotografió a los sujetos de manera individual retratando esa relación. Cada persona posó tomando un posicionamiento, una actitud respecto a este mundo metafórico: besos, patadas, abrazos, admiración, miedo... La dimensión del juego adquiriendo una profundidad metafísica.

La pieza tuvo lugar el Sábado 8 de 2010 en horario abierto, siendo una pieza de localización itinerante. La artista anduvo por el barrio y los alrededores de las piezas restantes durante el fin de semana, pelota y cámara en mano.

Cada participante rellenaba además una ficha con sus datos, el lugar y la hora de la participación. Carmen Cantón mantiene un registro del proyecto que continúa abierto más allá del festival Reformance.

Retratos: Carmen Cantón.

Vídeo: Miranda & Mirón.

Obra original
Conversaciones telefónicas

Artista: Isidoro Valcárcel Medina

En 1973 el artista se dedicó a llamar a números de la guía telefónica escogidos al azar. Presentándose brevemente, pedía a sus interlocutores que tomaran nota de su nuevo número de teléfono. Las reacciones de la gente, al no comprender el objetivo de apuntar el teléfono de un desconocido (si es que se percataban de que lo era), fueron variopintas: confusión, enfado, risa... La obra se realizó en la intimidad de la casa del artista, quien la documentó a través de grabaciones sonoras, las cuales han servido como documento y muestra del proyecto.

Reinterpretación
Music Call

Artista: Lucía Antonini

En presencia del público asistente (incluyendo al propio Valcárcel Medina), la artista realizó una serie de llamadas telefónicas a números elegidos al azar. Les ofreció interpretar una canción improvisada en directo.

Haciendo referencia a los music halls (populares espectáculos de música, comedia y baile de principios del siglo XX), Music Call propuso una reflexión sobre la industria musical actual y las nuevas formas de hacer y compartir música.

El acercamiento, tono de voz y palabras empleadas por la artista jugaban con la cercanía al formato del tele-marketing, siendo su oferta gratuita y extremadamente personal un giro inesperado y desconcertante en contraste con la habitual publicidad telefónica, tan habitual hoy en día. El mismo medio de la telefonía terrestre parece haber quedado relegado, tras la hegemonía de la telefonía móvil en este comienzo de siglo XXI, a la televenta y a las (escasas) llamadas terrestres entre casas.

Al igual que en la pieza original, hubo reacciones de todo tipo. La acción, cargada de generosidad, evidenciaba sin embargo una situación de desconfianza frente a los extraños al dar con repetidas negativas de los interlocutores. Los asistentes suspiraban con tristeza al ver las reacciones negativas de la mayoría de los interlocutores, y aplaudían con entusiasmo cuando la artista tenía la ocasión de cantar una canción, aunque fuese a un contestador automático. Alguien escucharía aquel mensaje.

Fotografías: Nuria Fernández Herrera, Rocío Ballesteros, Miranda & Mirón.

Vídeo: Miranda & Mirón.

Obra original
Pendulum Music

Artista: Steve Reich

Esta "escultura sonora" se presentó en 1968 en la Universidad de Colorado. Varios micrófonos dinámicos colgaban frente a varios amplificadores, produciendo acoples al acercarse a su fuente de sonido. El movimiento pendular de los micros activado por el artista produjo una combinación de vaivenes sonoros, cada uno con su ritmo particular, que decrecía hasta congelarse forzado por la gravedad y el tiempo.

Reinterpretación
Pendulum Music

Artista: 12 o'clock Shadow y amigos

La base de la obra y su nombre se conservaron, produciendo nuevas sonoridades, movimientos y combinaciones en el salón de la casa del artista. Empleando tres fuentes de sonido (amplificadores) y tres receptores (micrófonos dinámicos) conectados entre sí se generaron acoples rítmicos gracias a los movimientos pendulares de los micros.

Al ser un salón humilde y la pieza corta, se hicieron tres pases para diferentes visitantes de unos diez minutos de duración, cada sesión diferente desde el momento de partida en el que los micrófonos se soltaron al aire desde un lateral. Desde que empezaron a balancearse enérgicamente hasta que se detuvieron, las sutiles diferencias de ritmo, equilibrio y cadencia se acentuaron mientras la atención de los espectadores se agudizaba con el hipnotizante balanceo.

Fotografías: Nuria Fernández Herrera y Rocío Ballesteros.

Vídeo: Miranda & Mirón.

Obra original
Tapp und Tast-kino

Artista: VALIE EXPORT

En Tapp und Tast-kino (Cine de tacto) la artista austríaca caminó junto con su pareja por aquel entonces, Peter Weibel, mientras este animaba a los transeúntes a palpar los pechos de Valie. La gente introducía entonces las manos en el teatrito que ella llevaba sobre el torso, una caja con cortinas que impedía ver su interior.

La performance trataba el tema de la imagen de la mujer como objeto pasivo y cuestionaba conceptos como el voyeurismo y el exhibicionismo. Fue realizada por primera vez en 1968, en las calles de Viena.

Reinterpretación
Se toca pero no se mira

Artista: Fiacha O´Donnell con la colaboración de Guillermo García

A través del mensaje Se toca pero no se mira escrito en su camiseta, el artista planteaba unas reglas e invitaba a la participación. Su compañero animó a los viandantes de la plaza de Lavapiés a introducir la mano en la caja que el artista lleva acoplada a sus pantalones. La acción, versión masculina de una de las performance feministas más conocidas del siglo pasado, interactúa con los discursos de VALIE EXPORT sobre la concepción cultural del cuerpo y el sexo, el género, los tabúes sociales y los límites legales, éticos y físicos del arte.

Fotografías: Nuria Fernández Herrera, Rocío Ballesteros, Miguelito y Sisto (Elgatoconmoscas).

Vídeo: Miguelito y Sisto (Elgatoconmoscas).

Obra original
S.O.S. Starification Object Series Performance, An Adult Game of Mastication

Artista: Hannah Wilke

En la serie S.O.S. (desarrollada entre 1974 y 1982) la artista utilizó chicles masticados que moldeó con forma de coño y pegó sobre su cuerpo.

Realizó una serie fotográfica en la que aparecía imitando figuras femeninas estereotipadas (la pin-up, el ama de casa...) y una performance en la que los asistentes masticaban chicles que ella iba pegando sobre su cuerpo. Galería Gerald Piltzer (París) 1975.

Reinterpretación
So Help Us Hannah

Artistas: Sawyer & McAllister con la asistencia técnica de Sofía Nieto

(...) Quiero darte lo que tengo en la boca, pero quiero protegerme de ti. Nosotros no somos Hannah Wilke, no tenemos orgullo ni belleza. Otro Adult Game of Mastication. No cantamos al cuerpo; nos encadenamos a él. Tú y yo vamos a buscarnos, pero de lejos.

Con las luces de la sala apagadas, se proyectó sobre la pared un sitio web de contactos sexuales en vídeo (www.Cam4.com). El público podía entrar y salir de diferentes chatrooms, escribir mensajes y así ir controlando la proyección, mientras la pareja de artistas pegaba chicles sobre ella con la boca. Los estiraban, rompían, convertían en hilos, parecían colgarse de ellos. Tras un rato los chicles estirados habían tejido una maraña de hilos por la sala. De repente, comenzaron a oírse las primeras notas de I get a kick out of you, una versión etérea del estándar compuesto por Cole Porter (remezcla de Cinematic Orchestra) que acompañaba los últimos momentos de la performance.

Fotografías: Ana Folguera, Miranda & Mirón.

Vídeo: Miranda & Mirón.

Obra original
Cut Piece

Artista: Yoko Ono

Elegantemente vestida y sentada sobre el suelo de un escenario, la artista pidió al público que fuera cortando la ropa que llevaba puesta. Permaneció inmóvil mientras que los asistentes, uno a uno, fueron subiendo a "desvestirla" lentamente con unas tijeras.

La performance se realizó por primera vez en 1964 en el Yamaichi Concert Hall, Kyoto.

Reinterpretación
Homenaje a Yoko Ono o no

Artista: Analía Beltrán i Janés

La artista propuso, aparentemente, una reinterpretación fiel de la performance de Yoko Ono. Los asistentes entendieron que debían cortar pedazos del vestido de la performer, y así lo hicieron hasta que se empezaron a descubrir brillos metálicos bajo la ropa. Una vez rasgado del todo el vestido, las cadenas que protegían su cuerpo se hicieron visibles.

En esta nueva fase de la pieza, que cuestionaba la apertura o liberación pública, se insinuaba que un supuesto acto de vulnerabilidad puede esconder más cosas, incluso capas adicionales de represión. La artista reconfiguró llegado este momento las cadenas para atarse de manos, cuello y pies con tres candados, deslizándose hasta el suelo y quedándose inmóvil ahí. Boca abajo, escupió una llave que entonces se supo llevaba guardada en la boca. Los asistentes se congelaron un momento ante esta escena y de nuevo parecieron entender la invitación: una chica se acercó a recoger la llave y con ella liberar el candado del cuello. Así siguieron otras con los demás candados, hasta que la artista quedó finalmente liberada.

Fotografías: Miranda & Mirón.

Vídeo: Miranda & Mirón.

Obra original
In bed with Lorca

Artistas: Gilbert & George

En 2007 la icónica pareja participó en una exposición homenaje a Federico García Lorca en La huerta de San Vicente, Granada. Estando en casa del poeta se fotografiaron tumbados sobre su cama, vestidos de traje con su habitual aspecto flemático y bajo la mirada de una Virgen en una escena de extraño costumbrismo.

Reinterpretación
En la cama con todos

Artistas: Du_lab

Vestidos de traje en referencia a los artistas originales, los integrantes de Du_lab invitaron a los asistentes a compartir un momento de intimidad tumbándose con ellos. Previamente habían instalado su propia cama, traída desde Ciudad Real a Madrid para la ocasión, en el luminoso patio de vecinos de la asociación Mediodía Chica.

Las diferencias con la pieza original continuaron jugando a descontextualizar la intimidad. El uso de la cama personal de los artistas, traída desde otra ciudad, presentaba la memoria del objeto que les había acompañado en sus vidas y sus noches, un objeto vivo, así como la cama de Lorca representaba al difunto poeta en una casa convertida hoy en museo.

Pudiendo quedarse un instante o unos minutos según decidiesen, el momento compartido entre artistas y público dio pie a un juego de variaciones sobre el gesto tradicional de estar en la cama.

Fotografías: Luis Díaz Díaz.

Vídeo: Miranda & Mirón.

Obra original
Mask piece

Artista: Yoko Ono

Texto extraido del libro Grapefruit: un libro de instrucciones y dibujos:

Viste una máscara blanca.
Pide a la gente que incorpore arrugas, hoyuelos, ojos, boca, etc. según camines.

Primavera de 1964

Reinterpretación
Pieza con máscara (Mask piece)

Artistas: Amanda Guadamillas y Christian Fernández Mirón

La pareja de amigos paseó de la mano por las calles del barrio sin un rumbo pactado. Uno hizo de lazarillo para el otro, que portaba una máscara blanca a rellenar por los viandantes, invitados a añadir una facción al rostro vacío. Al completarse la máscara, los artistas intercambiaron sus papeles y siguieron caminando despacio.

Basándose en unas instrucciones poéticas sin saber si éstas se habían realizado alguna vez, los artistas tuvieron la oportunidad de poner en práctica un cortísimo guión de cuarenta años de antigüedad. Como en la mayoría de las piezas del festival el tiempo, la disposición de los performers y la interacción con terceros fueron elementos clave en el desarrollo. Muchas personas aceptaron gustosamente la invitación a dibujar sobre las caras de papier-mâché, que una vez rellenas (normas anatómicas a un lado) se quitaron para dar fin a la performance.

Fotografías: Luis Díaz Díaz y Carmen Cantón.

Vídeo: Analía Beltrán i Janés, Miranda & Mirón.

Obra original
Saut dans le vide

Artista: Yves Klein

En esta fotografía de Harry Shunk, Yves Klein escenificó en 1960 un salto al vacío. Su caida desde la ventana de una casa hacia el inminente pavimento esconde el truco del fotomontaje: dos tomas idénticas fusionadas para simular un peligro inexistente. En la toma del salto el artista cayó sobre una superficie blanda que se esconde a los espectadores en la imagen final.

Reinterpretación
YKB//Spring+Fall collection

Artistas: Singing+Beehiver con la ayuda de Amaia Contel, David Benito, Javier Rivas y Jorge Quesada.

El objetivo de Singing+Beehiver era elaborar una colección de saltos al vacío en distintos espacios del barrio de Lavapiés. Siendo una performance de localización itinerante, buscaron lugares como cabinas de teléfono, contenedores de basura, estatuas o barandillas en altura para realizar la serie aquella tarde de domingo.

Durante la performance, las personas que pasaban por allí pudieron ver cómo los colchones amortiguaban el salto y, en caso de conocer la obra de Klein, ser testigos directos del engaño de la fotografía (como prueba fehaciente de un hecho).

Otro homenaje a una obra de Klein, Anthropometries of the Blue Period (1962), en la que los cuerpos de mujeres desnudas pintados de azul dejaban su impronta sobre lienzos al posarse en ellos, es utilizada como referencia al omnipresente color YKB patentado por Klein, posiblemente su aportación más conocida a la historia del arte. Se empleó esta asociación para generar un testimonio físico de los saltos: la colección de impactos de color YKB sobre tela blanca. Manchando con pintura azul la sábana que amortiguaba las caídas con la huella del impacto, anotaban el lugar y la hora correspondiente junto a cada mancha antes de continuar con su ruta.

Fotografías: Miranda & Mirón.

Vídeo: Amaia Contel, Miranda & Mirón.